Categoría: Consejos y trucos

Últimamente no paras de escuchar hablar de ellos; los ves en la televisión, en las redes sociales, en tu taza de cereales, en tus sueños. Son los influencers. Ahora dominan el mundo y tú ni te habías casi enterado, pero tal vez en algún momento te hayas preguntado: ¿Cómo convertirme en un músico influencer en Youtube? o ¿cómo puedo triunfar en Youtube con mi música? Bien, en este artículo intentaremos darte algunos sencillos consejos para aprovechar todo el potencial de la plataforma de vídeo sharing.

1. Empecemos por crear una imagen

Un básico de cualquier cosa que hagas en las redes. Debes crear una imagen en consonancia con tu personalidad y con tu música. Esa imagen estará compuesta por todos los elementos audiovisuales que muestres en público: tu diseño gráfico de banner y miniaturas de los vídeos, tu vestuario y el tratamiento de la fotografía de tus vídeos. Debes procurar utilizar siempre una paleta de colores, unas tipografías concretas y un tratamiento concreto de la imagen. Además, debes ser coherente y fiel a la imagen que escojas, los cambios continuos provocan confusión y no ayudan a que el público te reconozca con facilidad al ver una miniatura, un anuncio, un fragmento de vídeo, etc. Ese debe ser tu gran objetivo, ser fácilmente reconocible.

Procura, además que las miniaturas sean claras y avancen fielmente el contenido de los vídeos. En esa línea debo advertirte de que tu imagen debe ser una expresión honesta de tu música y tu arte. No deberías utilizar imágenes engañosas para atraer a usuarios.

2. Las palabras clave

Si alguna vez leíste u oíste hablar de marketing digital, es posible que te suene mucho el conceptos de “palabras clave” o “focus kaywords“. Debes elegir bien las palabras o frases que crees que vayan a utilizar tus potenciales seguidores cuando realicen una búsqueda en internet. Por ejemplo, si haces rock sureño en español, puedes elegir “rock sureño español” como palabras clave. Deberás añadir esas palabras clave en el título, la descripción y las etiquetas de tus vídeos. De esa manera facilitas que el público pueda encontrarte fácilmente. Igual que en las imágenes, las palabras clave deben ser un reflejo fiel de tu propuesta artística.

La descripción de tus vídeos debe ser lo más completa posible, ofreciendo la máxima información posible sobre los mismos. Cuanta más información haya, más sencillo será que aparezcas en las búsquedas, ya que existe una mayor posibilidad de coincidencia con las búsquedas de los usuarios.

3. Pide la suscripción

Se que es duro pedir, pero más duro es robar. Ruega a todo el mundo a quien creas que puede gustarle tu propuesta, que se suscriba a tu cuenta de Youtube. Suplica que lo hagan. Hazlo a través de las redes, en persona, envía cartas, correos electrónicos, pídelo en las barras de los bares, en los baños de los concierto, en manifestaciones, en citas de Tinder. Donde sea, hazlo.

Además, puedes crear concursos en tus redes sociales para conseguir suscriptores e insertar el botón de suscripción a tu cuenta en tu página web.

4. Escríbete “Constancia” en la frente

“Nada es constante en este mundo sino la inconstancia”, dijo Jonathan Swift. No le des la razón, aunque la tenga. Debes ser constante en la subida de contenidos. Además, debes ser ordenado y periódico. Crea un calendario semanal y síguelo con disciplina y perseverancia. Elige un día y una hora en los que actualizarás tu cuenta y subirás tus vídeos. De esa manera, tus seguidores sabrán cuando podrán acudir a tu perfil para encontrar un nuevo vídeo.

Si bien es poco probable que puedas componer y grabar una buena nueva canción cada semana, puedes generar otro tipo de contenidos relacionados con tu música como ensayos, acciones de promoción, recomendaciones de otros contenidos o cualquier cosa que se te ocurra que pueda ser interesante para tus seguidores.

5. Se activo

Comparte, comenta, difunde, busca aliados entre otros músicos y expande tu música y tus vídeos. En definitiva, relaciónate con otros músicos afines a tu estilo y que funcionen en Youtube. De esa manera puedes crear sinergias que acabarán por atraer a público nuevo a tu canal.

Además, debes interactuar siempre con tus seguidores, responder a sus preguntas y comentarios y ser natural y honesto con tus opiniones y tu forma de ser y de entender la música y tu trabajo.

6. Etiquetas y pantallas finales

Al final de tus vídeos puedes y debes incluir pantallas finales y etiquetas. Estas herramientas de Youtube te permiten proponer la suscripción a los usuarios o conducirles a otros de tus vídeos. Eso motivará que permanezcan en tu canal y sigan conectados a tu música.

7. Haz campañas de pago

Hasta ahora nos habíamos ahorrado invertir económicamente en nuestro canal, pero debes entender que está práctica es efectiva y te ayudará a visibilizar tu canal y tu obra. Las campañas de pago las puedes llevar a cabo directamente en Youtube o en otras redes sociales como Facebook, Instagram o Twitter con nuestra ayuda. Una buena estrategia publicitaria puede ser muy fructífera y te permitirá dar el salto extra necesario para acabar de triunfar en Youtube. Si necesitas que te echemos una mano con las campañas en redes, nuestro equipo de Community Management de La Cupula Music puede serte una gran ayuda.

En el mundo digital, lo material lucha por sobrevivir. Así que lo mejor será que pongas tu creatividad en funcionamiento con el fin de crear objetos a los cuales tus fans no puedan renunciar. Si bien es cierto que es probable que la copia física de tu último disco no provoque el éxtasis consumista de tus fans, el merchandising musical es la respuesta a tus necesidades.

Debes, siempre, disponer a tus fans de camisetas, bolsas, chapas y demás clásicos del “merchan”. Pero, además, quizás puedas ir más allá y crear verdaderas rarezas, objetos únicos y originales capaces de captar como nada la atención del público.

Muchas bandas han explotado esa práctica, y estas son algunas de las rarezas que se han fabricado para el fan más “especial”:

La batamanta de Deezer

La batamanta es un artículo hasto útil e interesante de por sí. Es la guinda del pastel de una tarde de sofá de invierno. Si además, la batamanta en cuestión lleva estampado el nombre de tu banda favorita en la pechera, el placer está asegurado.

Los condones de Daft Punk y Kiss

El sexo seguro es importante. Pero igual, si los preservativos que utilizas son de tu banda preferida, quizás la coyuntura ayude a mantener el vigor.

Kit de costura de The White Stripes

The White Stripes siempre se caracterizaron, entre otras muchas virtudes, por su característica indumentaria. Lo cierto es que no alcanzo a comprender el especial interés que puede tener el disponer de un kit de costura de tu grupo favorito, pero su existencia es en sí misma tan rematadamente inexplicable que merece ser adquirido sin miramientos.

La máquina del millón de AC/DC

Tu estado de ánimo oscila entre el júbilo ludópata y la desesperación mientras intentas evitar que la pelotita se cuele entre los dos percutores, demasiado cortos para crear un muro perfecto de contención. La pelota acaba cayendo y con ella tu paciencia. Desearías liarte a puñetazos contra la máquina, pero entonces ves que cada uno de los detalles de la misma homenajean a Angus y los suyos y, de repente, toda tu ira se evapora y te envuelve la calma, el rock, y entonces, das gracias a la suerte de que ese pinball sea tuyo.

Los fetos de The Flaming Lips

En 2011, la banda de Wayne Coyne, editó Gummy Song Fetus EP, un EP de tres canciones que se vendía en soporte de dispositivo de memoria USB. Hasta ahí, nada es demasiado extraño. Sin embargo, ese dispositivo de memoria venía envuelto en una gelatina en forma de feto. Para conseguir extraer la memoria, el comprador debía comerse el feto para llevar hasta ella.

The Flaming Lips consiguieron así que sus fans comieran fetos. Después hicieron adornos de navidad en forma de feto, jabón en forma de feto. Fetos, muchos fetos en definitiva.

Los dildos de Rammstein

Rammstein quisieron un día dar placer a sus seguidorxs, y vaya si lo hicieron… Qué mejor objeto para dar placer que una representación a escala real de sus órganos sexuales, acompañada de una esposas y libricante. Eso es. Un kit completo para conectar simbólica y profundamente con la icónica banda alemana.

El ataúd de Kiss

El último de los objetos de merchandising al que darle uso. Kiss fue un paso más allá, después de haber fabricado papel de baño, cuerdas de air guitar, máquinas recreativas, videojuegos, etc. Si quieres que algo de Kiss te acompañe a la tumba, ¿qué mejor que su ataúd? Equipado con todo lujo de detalles. Si mueres con la lengua fuera, la estampa será completa.

En La Cupula Music, hasta ahora, no hemos fabricado fetos, dildos ni ataúdes, pero podemos encargarnos de fabricar tu merchandising imprescindible y, si nos cuentas tus atrevidas ideas, podemos estudiarlas. Si quieres saber más, consulta nuestro servicio de Merchandising y te ayudaremos.

Después de componer, ensayar, grabar y editar, siempre llega el momento de dar a conocer tu trabajo al público, de dar entrevistas en medios para que nuestra obra y nuestro discurso llegue a televidentes, oyentes y lectores. Esta fase puede parecernos un mero trámite pero es vital si queremos darnos a conocer y es muy importante que el músico cuide aquello que quiere transmitir a los demás más allá de las canciones. Por eso, hemos elaborado un manual para entrevistas dedicado a los músicos, una pequeña lista de consejos que pueden serte de ayuda antes de empezar la promoción de tu trabajo.

1. Ten claro tu discurso

¿De perogrullo? Si tus canciones hablan de algo, debes procurar saber articular bien la idea que las sostiene y guía para poder transmitirla con claridad y poder. Ni que decir tiene que cuanto más original sea esa idea, mayor será la fuerza del mensaje y mayor el potencial impacto que pueda tener entre el público. Si tu música no habla de nada concreto, si no hay un mensaje que guíe tu notas y versos, entonces las entrevistas son terreno pantanoso. Estas a punto de ascender el Everest en bermudas.

2. Los periodistas no son el hombre del saco, son tu aliado

Guárdame el secreto: Los periodistas son seres humanos. Algunos puede que sean dispersos (muy común en el gremio), caóticos, acelerados, engreídos, etc. Su trabajo es darte voz, conducirte a los oídos de los oyentes. Están de tu parte. Ellos te dan voz, tu les das contenido, algo sobre lo que escribir, algo con lo que llenar minutos de televisión y radio, un motivo para que su público los consulte. No les temas. Relájate. Es hora de colaborar.

3. Evita lugares comunes

Todo el mundo sabe que “este es el mejor disco de tu carrera”, que quieres a todas tus canciones por igual, que eres un músico de directo,… Sí, sí, lo saben. Así que evita en la medida de lo posible recurrir a las muletillas, a los tópicos, para responder a las cuestiones que te planteen, aunque en muchas (demasiadas) ocasiones, serán lugares comunes también.

4. Déjate ir, di lo que piensas

Pretender impostar una opinión o actitud es harto complicado y, en cualquier caso, un esfuerzo innecesario. Tu opinión real sobre las cosas debe ser la materia que conforme tu discurso. Eso te ayudará a relajarte y a estar cómodo en las entrevistas. Me permitiré citar a Wikipedia para señalar que: “La mentira es una elaboración compleja, consciente, mucho más complicada que la verdad, así que, si se deteriora la actividad superior cortical, al sujeto le resultará mucho más complicado mantener su voluntad y la “verdad” fluiría en su conversación con mayor facilidad”. Así que te será más sencillo ser honesto.

5. Domina la entrevista, no dejes que te domine

Es muy común salir de una entrevista y caer de golpe: “¡No! Olvidé anunciar mi concierto!”, mientras el periodista ya olvidó que tu has estado allí. Antes de sentarte y ponerte a parlotear, elige aquello que es importante que digas (fecha de un concierto, enlaces a tus redes, dónde comprar tu disco, fecha de lanzamiento, etc.). Sean cuales sean las preguntas, debes procurar decir y anunciar la información que quieras hacer llegar al público.

6. No a los monosílabos y la verborrea

Los silencios en una conversación son incómodos, en una entrevista son peor que atizarte con un yunque. La verborrea en una conversación es terrible, en una entrevista es más dura que pernoctar en un solarium. Evita ambas estrategias. Busca el equilibrio.

Bonus Track: No sonrías constantemente

Sí, eso. No tiene misterio. No lo hagas. Y cuidado con…

Todo esto debería darte las claves para ser competente en las arenas movedizas de las entrevistas. El equipo de promo La Cupula Music puede ayudarte a dominar aún más este arte.

Una de las grandes decisiones que tiene que tomar una banda antes de ponerse a grabar una canción y que afectará de manera drástica a la sonoridad de la misma es, claro, la metodología de grabación que utilizará la banda para inmortalizar la tonada. Aquí te mostramos algunos clásicos métodos para inmortalizar una canción.

Más allá de los aparatejos, las mesas, los softwares, los backlines,… el modo en el que tocan los músicos ante el micrófono otorgará a la grabación un carácter determinado. Cada músico tiene una manera de tocar, así que tantas sonoridades hay como instrumentistas y bandas existen sobre la faz de la tierra. Ahora, sin embargo, nos fijaremos en los diferentes métodos de grabación según si los músicos graban juntos o por separado.

1. Por separado o “por pistas”

Este es el método más común por varias razones. Consiste en la grabación de cada una de las pistas que conforman una canción por separado, en tiempos distintos. Se suele proceder de la siguiente manera. En primer lugar, la banda entera o gran parte de ella graba una guía de la canción con un tempo determinado. Con esa grabación de guía, se van grabando cada una de las partes por separado hasta completarlas todas, habitualmente comenzando por la batería, siguiendo con el bajo y acabando por la voz y “recordings” adicionales (detalles de percusión, solos, teclados, etc.).

Es el método más utilizado debido a que permite a los músicos dedicar el tiempo necesario a su instrumento sin depender de la interpretación de los demás, a que facilita la corrección de errores, también a que los estudios sencillos, en ocasiones, no están preparados para que el sonido de unos instrumentos no se cuelen en las pistas de otros, si se graba en directo, y cada vez son más los discos y grabaciones que se llevan a cabo en estudios con menos infraestructuras debido a la reducción de presupuestos.

Tradicionalmente, la música pop mainstream (de Madonna a Cher) desde los años 80, empezó a utilizar este método con el fin de minimizar las imperfecciones en la ejecución, llevada a su máximo exponente con la utilización de bases electrónicas programadas.

2. Bases en directo

Consiste en grabar las bases (batería y bajo y, en ocasiones, guitarra rítmica) en directo para conferir mayor dinamismo y personalidad al “caminar” de una canción. Recoge la tradición de las primeras grabaciones de músicas folclóricas y del Rock ’n’ Roll, sin asumir todo el riesgo y reservando las pistas melódicas para grabaciones por separado, controlando la ejecución y la forma final del sonido, persiguiendo con ella cierta ausencia de imperfección sin perder la la dinámica de la base en directo.

Este es un método muy común debido a que supone un equilibrio entre el control y la dinámica. Se utiliza en la actualidad para grabar en todo tipo de estilos y un gran número de estudios disponen de la infraestructura suficiente para poder grabar batería y bajo a la vez.

3. Directo en estudio

Una banda unida graba unida. Es un método arriesgado pero que otorga una energía y una vida única a la grabación. Toda a la banda graba sus instrumentos a la vez hasta conseguir una buena ejecución de la canción, que quedará inmortalizada con todas las inevitable (y en ocasiones maravillosas) imperfecciones que se hayan producido durante la ejecución.

Este es un método muy utilizado en el jazz y en el Rock ’n’ Roll. en los años 50 y 60, la falda de disponibilidad de tiempo de estudio que tenían algunas bandas les obligaba a grabar a la vez sus partes para aprovechar el tiempo del que disponían. El método alcanza su máxima expresión cuando solo se utiliza un micrófono para grabar todos los instrumentos, controlando los volúmenes según la disposición del instrumento o amplificador en la sala de grabación.

Grabar todos en directo obliga en ocasiones a la repetición de las tomas y a una gran concentración y escucha mutua durante la grabación, el resultado, sin embargo, puede ser mágico.

No es un método habitual en la actualidad debido al estándar comercial dominante durante los años 80, 90 y 2000 que persigue la perfección de ejecución. Por otra parte, la necesidad de una infraestructura apta en los estudios, que permita la grabación en directo, complica su uso.

4. Directo en venue

Es la máxima expresión del directo. El directo habitual en un espacio con público grabado e inmortalizado para su edición como disco o vídeo. Es un método habitual en grandes bandas. Consiste en grabar la ejecución conjunta del repertorio ante el público. La calidad sonora y limpieza de las pista suele mermar con respecto a la grabación en estudio, pero confiere a la grabación una energía única inalcanzable en la sala de grabación. El público, además, deviene un elemento más de la conjunción. En ocasiones, se realizan retoques superiores en la mezcla o “recordings” adicionales, pero el objeto del método es la naturalidad y la honestidad.